Shinezine

From The Bottom Of The Dark Waters

Michel Boléchala — 2010-07-19T05:00:00Z

De la musique qui fait peur, d'accord, mais c'est quoi ? Un double CD a cappella des AKB48 ? le dernier tube R&B made in Korea ? S'il fallait chercher dans le meilleur du pire de la soupe musicale actuelle, on finirait bien par trouver le truc qui colle au sujet.

Pour ne pas avoir à s'imposer une telle punition, la bande originale d'un film d'horreur semblera donc un choix plus approprié. Dans un domaine codifié par de glorieux devanciers [1], ils ne sont pas légion à imposer leur style. Fidèle collaborateur de Nakata Hideo ou de Oshii Mamoru [2], Kawai Kenji fait partie de ces perles rares. Avec un look improbable d'oiseau rigolard, il aura marqué de son empreinte l'art du soundtrack avec des compositions où l'électronique reste au service d'une beauté formelle et limpide dont ce Dark Water constitue l'archétype. Treize plages nous entraînent à la suite d'une mère et de sa petite fille, dans les méandres d'un immeuble hanté. Au crescendo de tension succède un apaisement soudain, l'émotion voire la mélancolie prenant alors le relais de l'angoisse. Quelques accords plus agressifs, soutenant les moments choc, mélangent musiques classique et contemporaine, entre couinements de porte et envolée de cordes comme en panique. Pas une faute de goût, à part Blue Sky, un final chanté totalement hors-sujet, inutile concession à la sacro-sainte mode de la chanson thème de film.

L'ombre tutélaire de Takemitsu Tōru [3], influence plus ou moins revendiquée mais incontestable pour les trois papes de la BO nippone que sont Sakamoto Ryūichi, Hisaishi Joe et Kawai Kenji, plane occasionnellement sur le disque, une raison supplémentaire pour y jeter une oreille attentive.

On aura compris que From The Bottom Of The Dark Waters déborde largement du seul cadre de l'accompagnement musical évocateur pour figurer un parfait exemple d'ambient inspirée et toujours aussi agréable à écouter dix ans après (ou peu s'en faut) sa sortie. Tout ce qui contribue à la pérennité d'un classique.

[1] par exemple, les premières notes du thème de The Shining suffisent à elles-seules à faire flipper

[2] cf. Ghost In The Shell ou Avalon

[3] 1930-1996, grand musicien classique et compositeur de musiques de films ayant signé quelques scores d'anthologie, dont ceux de Ran, Empire De La Passion ou encore La Femme Des Sables

Ryūsei no Namida

Aude Boyer — 2010-04-26T15:51:00Z

Être chanteuse, en plus d'être le rêve de toutes les petites filles parce que ca paie bien mieux qu'infirmière et qu'on est mieux habillée, c'est une des étapes du business plan des agences de talento.

Les talento sont ces japonais qu'on voit partout dans les médias, qui font de tout, mais qui paradoxalement ne savent jamais rien faire correctement. Kuriyama Chiaki a beau avoir joué dans quelques films à succès elle n'en est pas moins une talento dans l'âme. Un peu mannequin, un peu seiyū, un peu à la radio, un peu égérie de marques de cosmétiques, un peu comédienne, un peu actrice et même « actrice internationale » depuis Kill Bill vol. 1, la voila catapultée chanteuse. Normal. Shibasaki Kō a fait pareil après tout, mais avant de faire uniquement des blockbusters débilisants elle a quand même prouvé qu'elle savait jouer la comédie.

Que valent donc ces « larmes de météores » qui coulent en l'honneur des 20 ans de Gundam ? À peu près autant que la centaine de ballades transparentes sortie l'année précédente sur le meme modèle : rien, ça s'écoute et ça s'oublie. Kekkei IN MY BED, la face B, est un titre pop-rock aux riffs de punk-rock FM sous perfusion tout aussi essentiel, sans doute parce que Kuriyama est une rebelle qui a manié des armes mortelles dans au moins deux de ses films, elle est cool et « rock'n'roll ». Elle a joué dans Kill Bill vol. 1 voyons !! [1]

Ah, au fait ! J'allais oublier de le préciser !! Chiaki a joué dans Kill Bill vol. 1, tout de suite ça rend tout ça plus légitime, non ?

[1] mais aussi dans des pubs pour des nouilles instantanées

Kimi no shiranai monogatari

Magali Chapel — 2010-04-14T04:48:08Z

Si la musique d'anime fait parti de cette espèce ultra-formatée que l'on reconnait aux premières secondes en levant les yeux au ciel, il arrive encore que l'on ait de bonnes surprises.

Ce Maxi en fait parti. Voici un CD comme on aimerait en entendre plus souvent, où chaque piste est une petite merveille ! Mélodies accrocheuses, voix d'une douceur impeccable, rythme bien tenu qui vous donne en vie de taper du pied et de bouger vos hanches. Toute résistance est inutile.

L'excellent titre phare, qui est le générique de fin du dessin animé Bakemonogatari, est présenté dans ses versions courte, longue et musicale. Supercell y a ajouté deux titres figurant sur la B.O du film Cencoroll, sortie en 2009 chez Aniplex : le thème musical de Cencoroll et l'addictif LOVE & ROLL.

Ce maxi nous permet de découvrir Nagi (ou Gazelle), qui a fait ses armes sur le site de vidéo Nico Nico Douga en reprenant les premières chansons faite avec l'aide du vocaloid de... Supercell. Ce système qui permet de produire une voix chantée en se basant seulement sur une partition informatique et des paroles donne parfois l'illusion d'une véritable interprètation et certains personnages issu du vocaloid, tel Hatsune Miku, sont devenus au Japon des idols à part entière dans la communauté otaku. Le buzz créé sur la toile par la jeune chanteuse a attiré l'attention du compositeur du groupe qui lui a proposé une collaboration directe.

Les titres de ce maxi, à la fois dynamiques et doux font de Supercell un groupe à surveiller de près.

Joe Hisaishi In Budōkan - Miyazaki Anime To Tomo Ni Ayunda 25 Nenkan

Michel Boléchala — 2009-10-21T13:36:36Z

Après vingt-cinq années de bons et loyaux services, Joe Hisaishi a présenté lors d'un concert exceptionnel au Budōkan de Tokyo ses plus fameuses musiques composées son compère Miyazaki Hayao. Autant de morceaux inséparables de films d'animation devenus grands classiques qu'un public conquis d'avance a pu apprécier sur scène, avec le maestro entouré d'un grand orchestre symphonique à la mesure de l'événement.

Pour ceux qui rêvaient d'y être, le DVD offre la possibilité de combler le manque. Les thuriféraires du compositeur nippon [1] auront sans doute été comblés de retrouver leur idole, qui plus est aux commandes d'une telle entreprise. Il est vrai que rien ne saurait égaler l'ampleur d'une telle interprétation, une impressionnante assemblée de musiciens et de choristes au service des partitions souvent enlevées du maître.

Le seul reproche que l'on pourra faire tient dans le caractère un peu trop solennel de la démonstration. Mais pouvait-on réellement en attendre autre chose ? Reste alors ce spectacle poli, réglé au millimètre, mais ne dégageant pas de véritable émotion, là où justement on en attendait un minimum. Pire, devant l'accumulation de ces mélodies au lyrisme pourtant évident, le spectateur moins concerné aura vite décroché. Ce ne sont pas les vocalises des différents intervenants qui relanceront l'intérêt : on a alors une impression de kermesse enfantine transportée dans une salle d'opéra, un décalage d'abord amusant, mais quelque peu lassant sur la durée. Ne parlons pas de l'interminable séquence où s'invite une fanfare, là on sombre dans l'indigeste.

Osons enfin affirmer que même l'inspiration d'un artiste de la trempe de Joe Hisaishi ne saurait être continuellement au zénith : la succession ininterrompue des morceaux de bravoure d'une longue carrière pointe pas mal de hauts, mais aussi quelques légères redondances ou répétitions renforcées par le traitement poids lourd qui en est fait. Dommage également de noyer sous un véritable déluge orchestral des thèmes aussi rafraîchissants que ceux de Mon Voisin Totoro. Ils y perdent du coup toute leur légèreté initiale. On peut nettement leur préférer l'apparition fort attendue de Miyazaki Hayao en personne, venu offrir un bouquet à son fidèle acolyte. Un moment à la simplicité certes calculée mais beaucoup plus révélateur de la complicité entre les deux bonhommes que toutes les célébrations possibles et imaginables. Voilà donc un DVD réservé aux purs fans du petit chauve, les autres pouvant facilement passer leur chemin. La discographie pléthorique de sieur Hisaishi possède suffisamment d'autres pépites pour perdre son temps avec ce genre de production trop officielle pour être totalement honnête.

[1] en particulier ceux du site français consacré au bonhomme

The Rose -I love cinemas-

Aude Boyer — 2008-03-31T03:15:29Z

Il y des mots qui font toujours frémir d'angoisse un critique musical. « Album de seiyū » en est l'exemple type, tout comme « compilation eurobeat », « Ueto Aya », « production Tsunku♂ », ou encore « album de grabia ». Teshima Aoi nous a fait frémir elle aussi mais pas comme Miyamura Yūko [1], loin s'en faut.

Les seiyū sont les comédiens de doublage nippons, souvent comédiennes d'ailleurs, et la plupart du temps embringués dans des productions commerciales musicales atroces. Les galettes de Hayashibara Megumi en restent l'exemple le plus vendu : le plus typique côtoyant le supportable voire même l'agréable quand la production est au rendez-vous [2]. Il y a bien entendu quelques trop rares contre-exemples, citons l'inévitable Sakamoto Maaya [3], Teshima Aoi fait partie de ceux-là. Sans doute parce que sa maquette envoyée à Yamaha Music contenait déjà des standards de jazz, sans doute parce qu'elle a eu l'honneur de jouer dans un Ghibli (Les Contes De Terremer par Miyazaki Gorō, 2006) et d'en interpréter la chanson titre : Therru No Uta.

Son troisième disque ne surfe pas sur l'animation mais reste dans le cinéma, et quel cinéma ! Se succèdent ainsi dans ce court album, de grands classiques de la production hollywoodienne ne dépassant pas 1991. Attardons-nous sur Bagdad Café et son mythique Calling You, allégrement massacrés chaque année dans nos télé-crochets favoris, qui reste sans doute le titre le plus représentatif de cette succession de reprises acoustiques loin des démonstrations vocales inutiles. Inutile de se prendre pour Céline Dion, également reprise pour l'occasion [4], quand on n'a pas l'organe pour. Teshima Aoi l'a bien compris et égrène les mythes, comme Moon River, What Is Youth ?, ou Raindrops Keep Falling On My Head, tout en retenue et en délicatesse.

Fan absolue de The Rose (dans film éponyme de 1979, par Bette Midler), qui figurait déjà dans sa démo, Teshima se permet de conclure The Rose I Love Cinemas avec une version plus personnelle de ce classique intemporel, version bien plus concluante que la première qui, comme Over The Rainbow (de l'inégalable Judie Garland pour Le Magicien d'Oz en 1939), souffre de la comparaison à la kyrielle de reprises déjà existantes [5].

L'interprétation de Teshima Aoi, à l'anglais très honorable, est à la hauteur des originaux. Ce troisième opus ne réinvente certes pas la musique. Mais classieux, délicat et tout en sobriété il donne assurément envie de s'intéresser à son deuxième album, Haru No Kashū passé totalement inaperçu.

Un album à savourer en soirée, pour se faire bercer par une voix douce et profonde.

[1] connue principalement pour avoir doublé Asuka dans Neon Genesis Evangelion, Miyamura Yūko (宮村優子) a également « chanté » pour le label Victor, spécialiste du genre, et nos oreilles en sang s'en souviennent (à noter pour briller dans les dîners mondains qu'elle vient de l'industrie AV (Adult Video, film porno donc) et qu'elle apparaît dans la vidéo de « formation » à Battle Royale)

[2] comment dénigrer l'immense œuvre de Kanno Yōko à laquelle miss Hayashibara a humblement participé

[3] là encore chez Victor et qui ne serait, avouons-le, que peu de choses sans Kanno Yōko

[4] Beauty And The Beast, magnifique titre du Disney du même nom

[5] pour rester dans l'archipel, The Rose par Hirai Ken était déjà un grand frisson, lui aussi très classique, et n'avait clairement rien à voir avec les expérimentations grungy de Mudhoney (dans Sub Pop 200) ; quand à Over The Rainbow, la relativement récente cover de Eva Cassidy aura mis la barre bien haut

Sugashikao

Magali Chapel — 2007-01-08T11:07:00Z

Parade est sorti le 6 septembre 2006, neuvième album d'un artiste unique, encore méconnu en France. Voici pour vous l'homme à la voix de velours et aux textes étourdissants  : Shikao Suga sous les projecteurs de SHINE.

Après des études d'économie et un début de carrière dans la publicité, Shikao Suga décide d'envoyer balader une vie toute tracée pour se consacrer à sa véritable passion  : la musique. Grand bien lui a pris  ! Ce fut une reconversion des plus réussies. Son premier album sort en 1997. Le succès est au rendez vous.

Assez peu connu du grand public en France, Shikao Suga mériterait pourtant la même notoriété qu'une Maaya Sakamoto tant son œuvre colle à la peau de certains animés quasi cultes... et pourtant quasi-inconnus chez nous. Il a en effet participé activement à la bande son de Honey & Clover (Hachimitsu to kurobaa), animé tiré du manga du même nom, diffusé au Japon en 2005 et 2006 et qui y a remporté un grand succès. Un des personnages s'inspirerait physiquement du chanteur (cheveux bruns courts, lunettes, cigarette et allure de dandy, la ressemblance est assez frappante). D'ailleurs le «  clover  » du titre vient du titre du 1^er album de Suga.

Deuxième animé qui possède désormais la patte Shikao Suga  : XXX-Holic de clamp. Shikao Suga interprète 19sai (19 ans), le générique de la série. Avant cela il a interprété Sanagi (chrysalide), le thème de Manatsu no Yoru no Yume (le songe d'une nuit d'été), le film tiré du manga et qui était sorti en 2005. (En parallèle au film Tsubasa reservoir chronicle, l'autre manga de Clamp dont les deux histoires sont souvent liées). Pour nous perdre un peu plus, Suga chante également une chanson du nom de Manatsu no yoru no yume. C'est le titre du film XXX-Holic. Mais la chanson est utilisée sur la bande originale du film Death Note, tiré d'un manga également. Il s'agit par contre d'un vrai film, avec de vrais acteurs celui-là. Vous êtes perdus  ? C'est normal.

Côté musique, c'est assez surprenant  : pour accompagner ce genre de films et d'animés on s'attendrait plutôt à une musique de science-fiction, un peu électronique mais le jeune homme nous surprend avec des ballades terre à terre et doucement rythmées. Les titres flirtent carrément avec la country et la variété occidentale. Le genre de musique qui donne envie de marquer le rythme d'un coup de hanche nonchalant ou d'une épaule dansante. Imaginez sur ces musiques une voix doucement éraillée, délicieusement sexy (malheureusement les restes d'un grand fumeur  : deux paquest et demi par jour jusqu'en 2002) et n'oubliez pas de rajouter de grandes lunettes aux verres légèrement fumés pour compléter le costume. Pour les clips, l'ambiance oscille tantôt entre le délirant version classe (Gogo no Parade), tantôt le sensuel glauque (19sai)

Dans Parade, le chanteur a déployé tout son charme et devant les mélodies de guitare, on profite pleinement de sa voix sensuelle. Les titres sont assez variés pour cet album irrésistiblement folk (ne riez pas, c'est un compliment) où on apprécie vraiment l'harmonie de l'ensemble. On y retrouve les derniers singles de l'artiste ainsi que quelques bijoux tel que Shayou (soleil couchant) et Progress . Deux titres qui nous emmènent en voyage, loin des bruits et des musiques trop rustres de la ville.

Article publié dans SHINE#3

Discographie Sélective

Singles :

2006.04 - 19sai 2006.06 - Manatsu No Yoru No Yume 2006.09 - Gogo No Parade

Albums :

1997 - Clover 1998 - Family 1999 - Sweet 2000 - 4Flusher 2001 - Sugarless 2003 - Smile 2003 - The Best Hits Of Live Recordings -Thank You- 2004 - Time 2006 - Parade

Death Note Tribute

Aude Boyer — 2006-09-05T04:28:00Z

Compilation hétéroclite où Matsuura Aya croise Kreva, Buck-Tick ou MCU samplant Wagner, cet album tribute à l'un des mangas les plus prisés du moment fait figure de prélude à son adaptation cinématographique prochaine.

Dès lors, impossible de ne pas penser à la stratégie commerciale de Nana, dont l'album hommage avait précédé le film de quelques mois, l'hallucinante promotion continue du mois de sa sortie. Alors que ce dernier avait une certaine cohérence stylistique (pop et rock) Death Note Tribute surprend par la diversité des genres exploités : de la pop de qualité (Sugashikao feat. AMAZON, Hitomi Yaida, Kinmokusei) à celle de superette (Ayaya et son Watashi No Sugoi Hôhô) en passant par le ska mâtiné de jazz de PE'Z, la fusion du collectif Agressive Dogs et les flows diamétralement opposés de Kreva et MCU. On y a même rajouté un peu de guitares qui sentent bon la testostérone (Kirito, Demon Kogurekakka, Buck-Tick et Char), de R&B (le mythique Hands de m-flo) et de sons électroniques basiques mais efficaces (COIL feat. Kyoko) pour que le pack soit complet.

Qui déplaire ? Tout le monde y trouvera son compte à une plage où une autre.

Chronique publiée dans SHINE#2

The Fast And The Furious : Tokyo Drift

Aude Boyer — 2006-09-02T01:33:00Z

Soutenus par la popularité du styliste Nigo [1] plus que par leur succès commercial outre atlantique, le collectif de rap nippon le plus connu dans le monde (ce n'est pas bien dur me direz vous) ouvre la bande originale du film préféré des tuners épris de vitesse et de seins siliconés. Même s'il ne contient pas que des titres made in japan, cet album fait honneur à des groupes comme Dragon Ash ou aux « garçons teriyaki » ainsi catapultés entre l'excellentissime morceau de DJ Shadow Six Days The Remix ou les N.E.R.D. de leur ami Pharrel. On peut regretter que seul le titre d'ouverture soit inédit, puisque Chô Large se trouvait déjà dans Beef Or Chicken et Resound dans Rio De Emocion. Quant à la chanson des 5.6.7.8's, fidèles à leur style, il évident qu'elle ne doit sa présence ici qu'au projecteur que Tarentino a mis sur le quatuor dans l'épopée sanguinolante de Black Mamba. Si vous teniez à vous procurer l'album uniquement pour écouter des sons asiatiques et trouver l'ambiance sonore des clubs et des chaumières tokyoïtes vous serez déçus.

Chronique publiée dans SHINE#2

[1] et sa fameuse marque Bathing Ape qu'arbore fièrement une partie du haut du panier rappeux

Sakamoto Ryūichi

Sébastien Morand — 2006-06-01T07:51:00Z

Sakamoto Ryūichi est né le 17 janvier 1952 à Tōkyō. Dans sa jeunesse, ses parents lʼinitient au piano classique. La rencontre avec le jazz puis les Beatles bouleverseront sa vie et sa conception même de la musique. Diplômé en musique ethnique et électronique en 1971, il entreprend de devenir musicien et dʼen vivre.

Il enregistre son premier album solo, Thousand Knives, à consonance électronique, en 1977, quʼil compose, arrange et produit entièrement. Ce sera la charpente et la ligne musicale du futur groupe crée avec Hosono Haruomi et Takahashi Yukihiro : le Yellow Magic Orchestra (YMO).

Le trio ne lʼempêche pas de continuer son chemin en parallèle. Il multiplie les collaborations extérieures (R.C Succession, Kakutougi Session, David Sylvian, Japan etc.). En 1983, il signe la bande-originale du film de Oshima Nagisa Merry Christmas Mr. Lawrence [1]. Le thème principal fera le tour du monde et propulsera le nom de Sakamoto dans le rang des supers stars, devenant ainsi une sorte dʼicône de son pays musicalement sous-médiatisé.

YMO sʼarrête en 1984, Sakamoto est donc libre de faire ce quʼil veut. Il continuera ses albums solos mais surtout ses musiques de film dont il deviendra un des maîtres en la matière avec plus de 25 participations. Il signera entre autre celle du Dernier Empereur de Bertolucci [2], Little Budhha, Les Ailes dʼHonneamise du studio Gainax, Talons Aiguilles dʼAlmodovar, Snake Eyes de De Palma, Tokyo Decadence de Murakami Ryū etc. Cʼest également lui qui signa tout récemment la bande-originale du film Appleseed. Il produira aussi de nombreux artistes japonais, comme Nakatani Miki ou même sa fille, Sakamoto Miu.

Dans le genre commercial honteux, il composera lʼhymne des J.O. de 1992 de Barcelone… Au début 2000, après sʼêtre montré assez discret dans les années 90, histoire sans doute de faire oublier le come back foireux de YMO en 1993, Sakamoto changea complètement son fusil dʼépaule en larguant de plus en plus ses machines pour des albums dépouillés, acoustiques et très orientés vers la musique des Caraïbes et de lʼAmérique du sud, en particulier la bossa nova. Grande mode chez les musiciens décalés, comme Peter Gabriel ou David Byrne, que dʼaller chercher des racines quʼils nʼont pas… Beaucoup de fans ne suivirent pas leur maître à penser musical dans cette voie totalement à lʼopposé de ce quʼils recherchaient, à savoir de lʼélectronique.

Revenu en 2004 avec un nouvel album solo, [>476], après près de sept années de silence, Sakamoto est retourné à ses claviers et en particulier à ses boucles de samples hypnotiques, mêlant rythmes modernes, rap et pop. Un travail hyper léché et clean mais bien loin de la chaleur ses mélodies dʼantan. Sakamoto Ryūichi nʼest peut-être plus le génie musical quʼil était il y a de ça vingt ans en arrière, mais il reste tout de même une légende et lʼun des plus grands musiciens vivants de la planète.

Article publié en complément du dossier YMO dans SHINE#1

[1] Furyo en occident

[2] musique écrite en collaboration avec David Byrne, leader des Talking Heads

Discographie Sélective

Dareka No Negai Ga Kanau Koro

Aude Boyer — 2004-07-04T04:56:00Z

Utada peut être fière d'avoir tant insisté auprès de ses producteurs pour que Dareka No Negai Ga Kanau Koro soit un single. Sa classant en tête des charts dès sa sortie, cette ballade à la mélodie et aux paroles poignantes, signées une fois de plus par Hikki elle-même, mérite le détour. Un simple piano, des cordes, un soupçon de guitare et la voix plus tremblante que jamais d'Utada suffisent pour nous emmener dans une autre univers où tout à la puissance symbolique et marketing d'un clip de Kazuaki Kiriya [1].

Simple et efficace, Hikki nous montre qu'elle est encore dans la course alors que ses débuts outre-atlantique commencent vraiment à se faire attendre.

Chronique publiée dans Kogaru#10

[1] son mari à l'époque de la sortie du single, photographe, et réalisateur de Casshern, dont Dareka No Negai Ga Kanau Koro est le générique de fin, la boucle et bouclée